Basil Dearden (1911-1971)

Rubrique consacrée au cinéma et aux films tournés avant 1980.

Moderators: cinephage, Karras, Rockatansky

User avatar
Alexandre Angel
Une couille cache l'autre
Posts: 10859
Joined: 18 Mar 14, 08:41

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Alexandre Angel »

User avatar
Rick Blaine
Charles Foster Kane
Posts: 21700
Joined: 4 Aug 10, 13:53
Last.fm
Location: Paris

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Rick Blaine »

Profondo Rosso wrote:
Et sous ce côté urbain et social très réaliste c'est magnifiquement stylisé, l'amorce du hold-up sur les toits et la poursuite en voiture nocturne c'est formellement somptueux.
Oui, c'est remarquable. Il y a une très belle utilisation des décors je trouve.
Profondo Rosso wrote:Et Erick c'est dispo en BR anglais avec sous-titres anglais, mais à force d'entendre le Commissaire radoter tudiocanal va finir par le sortir :mrgreen: Je le vois bien dans la collection de Tamasa
Je vois bien Tamasa se pencher sur ce cinéaste en effet, et pour le coup comme il y a pas mal d'argot ça me semble nécessaire d'attendre une éventuelle édition française pour les non anglophones.
User avatar
Jeremy Fox
Shérif adjoint
Posts: 93356
Joined: 12 Apr 03, 22:22
Location: Contrebandier à Moonfleet

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Jeremy Fox »

Rick Blaine wrote:et pour le coup comme il y a pas mal d'argot ça me semble nécessaire d'attendre une éventuelle édition française pour les non anglophones.

Voilà :oops:
User avatar
Jack Carter
Certains l'aiment (So)chaud
Posts: 25491
Joined: 31 Dec 04, 14:17

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Jack Carter »

Commissaire Juve wrote:Eh non ! J'en ai parlé il y a 6 ans dans le topic DVD Classiques british. C'était une édition Optimum Release ; autrement dit StudioCanal UK. Et ces gens n'ont que mépris pour nous !
Du calme, Commissaire, du calme :mrgreen:
"On peut revenir au sujet du topic ?" (Jack Carter)
User avatar
Commissaire Juve
Charles Foster Kane
Posts: 23488
Joined: 13 Apr 03, 13:27
Location: Aux trousses de Fantômas !

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Commissaire Juve »

Profondo Rosso wrote:... mais à force d'entendre le Commissaire radoter, StudioCanal va finir par le sortir :mrgreen: Je le vois bien dans la collection de Tamasa
Ben non, justement. Leur "god damned mission in life", c'est de me ch*** dans les bottes ! :twisted: Mais je m'en fous, j'ai bien travaillé en anglais à l'école.

EDIT : en fait, j'aurais dû dire que c'était un film complètement naze... là, ils l'auraient sûrement sorti en France ! :mrgreen:
La vie de l'Homme oscille comme un pendule entre la douleur et l'ennui...
User avatar
Profondo Rosso
Howard Hughes
Posts: 16925
Joined: 13 Apr 06, 14:56

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Profondo Rosso »

The Blue Lamp (1950)

Image

En 1949, à Londres, le vétéran George Dixon apprend le métier de policier au jeune Andy Mitchell. Appelé sur le lieu d'un braquage, Dixon est confronté à Tom Riley, un malfaiteur qui lui tire dessus avant de s'enfuir. Une vaste chasse à l'homme s'engage alors.

Le scénariste T. E. B. Clarke, en plus d'avoir guidé la mue du studio Ealing vers les comédies qui feraient sa gloire (l'enchaînement magique Passeport pour Pimlico (1949, De l'or en barre (1950) et Tortillard pour Titfield (1953)) contribua également à y faire produire certain un des polars les plus mémorable du cinéma britannique avec The Blue Lamp. Membre de la police de réserve durant la Seconde Guerre Mondiale, T. E. B. Clarke avait déjà pu faire montre de son du polar avec À cor et à cri (1947) même si teintée de comédie et transforme l'essai avec The Blue Lamp. Véritable plongée dans le quotidien de bobbies londonien, le film nous en fait découvrir les codes à travers la transmission se faisant entre le vétéran George Dixon (Jack Warner très attachant) et le jeune "rookie" Andy Mitchell (Jimmy Hanley). Les tâches courantes (ronde de nuit, faire cuver un ivrogne, ramener un chien à sa maîtresse, calmer une dispute conjugale) se déroule en parallèle de la vie du commissariat dont la joyeuse camaraderie nous attache immédiatement aux personnages. Basil Dearden confère une vraie rigueur documentaire tant dans cette vie policière que dans la description des bas-fonds où de jeunes chiens fous amène une forme plus imprévisible de criminalité qui dérange les truands endurcis plus discrets. Basil Dearden creusera plus précisément cet angle social dans d'autres films notamment Violent Playground (1958) mais se fond ici dans la tonalité quotidienne du script de T. E. B. Clarke même si ces jeunes criminels d'après-guerre sans codes moraux ont déjà été évoqués dans Le Gang des Tueurs (1947) de John Boulting.

Le côté violent et instable de Tom Riley (Dirk Bogarde) est amené progressivement, de sa fascination pour son arme à la vraie agression envers un policier au sortir d'un cambriolage puis le point de non-retour en abattant un bobbies suite à un hold-up. Cette péripétie marque le basculement du film (le respect de l'uniforme ressenti jusque-là se brisant en un coup de feu) où la dimension documentaire sert la collaboration rigoureuse de toutes les franges de Scotland Yard pour retrouver le tueur. Le drame fonctionne donc grâce à la description de la première partie, la détermination et l'union des policiers se conjuguant à la douleur de l'épouse du collègue abattu (superbe scène toute en retenue où Andy vient lui annoncer la terrible nouvelle). L'aspect laborieux, méthodique et crucial de l'enquête (témoins récalcitrant, draguer la Tamise pour retrouver une arme) poursuit la mise en valeur de la police, alors qu'à l'inverse l'angoisse et l'incertitude guide les criminels avec un Dirk Bogarde fascinant, à la fois intimidant et vulnérable. Après un ensemble très rigoureux, Basil Dearden lâche les chevaux avec une dernière partie plus heurtée. Mano à mano brutal entre policier et criminel, course poursuite survoltée dans les ruelles londoniennes et final haletant en plein stade de football, Dearden se montre virtuose et inventif pour gérer et relancer son suspense par un sens du cadre et du rythme épatant. Le choc des générations s'affirme définitivement lorsque les truands classiques aident la police à retrouver le fugitif. Ce premier essai de Dearden dans le polar affirme ses formidables aptitudes pour le genre et lance sa collaboration avec le producteur Michael Relph avec lequel il signera une plus grande réussite encore dès l'année suivante avec Pool of London. 5/6
User avatar
shubby
Machino
Posts: 1458
Joined: 27 Apr 08, 20:55

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by shubby »

Profondo Rosso wrote:Assassinats en tous genres (1969)

Image

Jeune femme indépendante qui cherche à faire carrière dans le journalisme, Miss Winter (Diana Rigg) enquête sur une entreprise assez spéciale : le bureau des assassinats. Elle vend son projet d’article au propriétaire d’un gros journal anglais Lord Bostwick (Terry Savalas) et se fait passer pour le commanditaire d’un assassinat pour rencontrer le directeur du bureau, un certain Ivan Dragomiloff (Oliver Reed). Celui-ci est quelque peu surpris quand il apprend l’identité de la victime, mais accepte la mission au nom du bureau.

Basil Dearden signe un divertissement de haute volée avec The Assassination Bureau, drôle, trépidant et classieux. Le film a pour origine un roman inachevé de Jack London, dont l'ami et auteur Sinclair Lewis lui suggéra l’idée d'un récit traitant d'une société secrète d'assassin. Jack London se lança donc en 1910 mais, incapable d'en donner une conclusion satisfaisante mis le roman de côté pour un temps et celui-ci resta inachevé à sa mort en 1916. Bien plus tard en 1963, l'auteur Robert L. Fish se basant sur des notes de Jack London achève le roman qui peut enfin paraître. En ces 60's pop marquée par le succès des James Bond, une adaptation est rapidement mise en route par le producteur Michael Relph qui convoque pour le mettre en scène son vieil ami Basil Dearden dont il fut le directeur artistique sur de nombreux films à la Ealing comme Au cœur de la nuit (1945) ou Saraband for Dead Lovers (1948). Marqué par ses créateurs de renom, le film marquera donc une première rupture avec le roman en se déroulant en Europe plutôt qu'aux Etats-Unis et étant bien plus marqué par un certain esprit british.

Image

Le récit conjugue habilement questionnement moral, réflexion sur la féminité et un jeu astucieux sur le contexte politique européen explosif de l'avant Première Guerre Mondiale. Comme le montre un hilarant pré générique, l'assassinat est plus matière à ridiculiser la maladresse ou la virtuosité des tueurs officiant plus par l'amour du sport que par volonté politique. C'est la vertu détachée de l'Assassination Bureau dirigé par Ivan Dragomiloff (Oliver Reed), pour peu que la cible ait eu des agissements répréhensibles et que le cachet soit lucratif. Cette ambiguïté morale va le rattraper lorsque l'apprentie journaliste Miss Winter (Diana Rigg) remonte la piste du Bureau pour commanditer son propre meurtre. Ivan par amour du jeu relève le défi et se voit traqué à travers l'Europe par ses anciens collègues mais la manœuvre cache un complot plus vaste. Le ton ludique conjugué à une narration enlevée et pleine de rebondissements fait passer tous les écarts (notamment narratifs voir la facilité avec laquelle Miss Winter infiltre le Bureau même si on aura une explication)) grâce à la richesse du propos sous la légèreté. Cela passe notamment par une délicieuse Diana Rigg. Miss Winter est une jeune femme portée par sa seule ambition et velléités féministe, dont la rigueur morale et le désintérêt pour la frivolité relève plus du manque de vécu. Révoltée par le principe de l'Assassination Bureau, elle va pourtant user d'un procédé douteux pour le démanteler et tirer un bon sujet d'article par la même occasion. Suivant bien malgré lui Ivan dans son périple à travers l'Europe où il essaie de devancer ses poursuivants, Miss Winter va bientôt vaciller en tombant amoureuse de lui.

Image

Chaque étape et pays visité permet d'aborder une ambiance et une tonalité différente incarnée notamment par le tueur auquel se confronte nos héros. Le Paris libertin de la Belle Epoque nous vaudra une visite dans une rutilante maison close dirigée par le vénal Lucoville (Philippe Noiret). Le décor pétaradant joue autant du fantasme que l'on se fait de cette période que de l'esthétique pop et de la liberté de ton des 60's avec ces jeunes filles courte vêtues, la manière dérobée dont on accède à ses lieux de plaisirs. Oliver Reed se situe l'humour en plus dans le sillage du Love de Ken Russell avec des personnages élégants et loin des rôles de rustres qui l'on fait connaître. Il associe cette classe à un transformisme à la Arsène Lupin et une présence virile à la James Bond qui le rend irrésistible dans les différents stratagèmes qu'il monte pour méduser ses poursuivants. On s'amuse beaucoup de la complicité naissante avec une Miss Winter qui se déride au fil de l'aventure et de ses propres mésaventures. Diana Rigg alterne avec brio ingénuité (notamment durant les scènes avec un Telly Savalas qu'elle recroisera cette même année dans le grandiose Au service secret de sa majesté), présence sexy et forte personnalité. La scène où elle se retrouve en petite tenue, subit une rafle policière et garde tant bien que mal sa dignité en réclamant l'ambassadeur anglais est un régal. Cette vulnérabilité et féminité subie devient naturelle au fil du récit, sa vision se faisant moins binaire avec les sentiments naissants pour Ivan. Là encore de jolis moments (la scène où elle cherche une bombe dans sa chambre où celle où elle sauve Ivan en oubliant son investissement initial) vienne ponctuer la transformation dans les attitudes plus séduisantes et la présence de plus en plus sexy de Diana Rigg.

Image

Même si l'on traverse une sorte d'Europe décalée à la Tintin (passant par Venise, Vienne ou Paris) le sujet est intéressant dans son enjeu voyant l'assassinat revêtir des vertus politique en vue de manipulation en cette ère pré Première Guerre Mondiale. Ivan est presque le garant d'une époque plus morale et insouciante malgré son statut d'assassin tandis que les adversaires seront des adeptes du complot et du chaos. Cette vilenie ordinaire est parfaitement représentée par la veuve pulpeuse qu'incarne Annabella Incontrera. Michael Relph offre une splendide direction artistique parfaitement mise en valeur par Dearden avec des visions chatoyantes de cette Europe reconstituée à Pinewood, appuyant sur un faste et un rococo dont l'éclat cherche à masque le danger tapis dans chaque recoin (le face à face entre Ivan et Annabella Incontrera dans le somptueux palais vénitien). Trépidant de bout en bout, le film s'offre même un final sacrément spectaculaire entre James Bond rétro et steampunk avec un long affrontement en Zeppelin lourdement armé. Dearden joue autant des intérieurs tortueux de l'engin que des visions impressionnantes le montrant avancer et vaciller dans les airs. Les transparences sont certes assez voyantes mais c'est mis en scène avec un tel panache qu'on reste bien accroché. Seul regret le scénario retrouve un semblant d'élan machiste (alors que c'était parfaitement équilibré jusque-là) en ne faisant pas réellement participer Diana Rigg au sauvetage final même si cela vaudra un bon dernier gag. Un thriller et film d'aventures originale et ludique épatant donc, bonne surprise. 5/6

ImageImageImageImage
Découvert hier : très plaisant, en effet. Le jeu de massacre est rigolo, parfois léger, parfois lourd, et la charge moqueuse contre les institutions défoule son homme. Le final suit de façon plus anecdotique celui de Dr Folamour et malgré la période traitée, victorienne, on sent bien l'esprit pré-68. C'est très frais, Noiret est parfait en gérant de lupanard et Oliver Reed m'a parfois évoqué Bebel. Les vfx du final piquent un peu les yeux, mais il faut remettre l'oeuvre ds son contexte - et profiter de tous ces détails quant à un dirigeable d'époque et autres déliceuses sucreries colorées. Si Diana est magnifique, elle peine toutefois à s'imposer face à l'italienne Annabella Incontrera, formidable en redoutable femme fatale. La faute à son personnage un peu faiblard, bcp plus standard que celui de Chapeau melon (...), qui subit le bel Oliver Reed. On ne saurait lui reprocher !
User avatar
Profondo Rosso
Howard Hughes
Posts: 16925
Joined: 13 Apr 06, 14:56

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Profondo Rosso »

All night long (1962)

Image

Rod Hamilton (Richard Attenborough), un riche promoteur fan de jazz, organise une soirée pour le premier anniversaire de mariage d’Aurelius Rex (Paul Harris), célèbre musicien de jazz, et sa femme Delia (Marti Stevens), une chanteuse de jazz retirée du circuit. Un batteur ambitieux Johnnie Cousin (Patrick McGoohan) veut absolument se servir du nom de Delia pour fonder son propre groupe. Mais cette dernière refuse. Il va alors tout faire pour détruire le couple.

Basil Dearden signe une nouvelle réussite magistrale avec ce All Night Long qui propose une transposition contemporaine d'Othello de Shakespeare. Cette adaptation libre se déroule dans le milieu du jazz londonien des 60's et va y rejouer la même tragédie de jalousie, ambition et pouvoir. L'enjeu de la manipulation de Johnnie Cousin/Iago (Patrick McGoohan) est de monter son propre groupe de jazz mais il ne pourra entrer dans le circuit qu'en ayant Delia/Desdemone (Marti Stevens) comme chanteuse mais celle-ci est retirée depuis qu'elle a épousée le pianiste Aurelius/Othello (Paul Harris). Le soir où se fête le premier anniversaire de mariage d'Aurelius et Delia, Johnnie va ainsi multiplier les fourberies pour diviser les époux et assouvir ses ambitions.

Etonnement l'aspect racial reste très sous-jacent (alors qu'il était plus explicite chez Shakespeare, mais on sent qu'il guide en partie la jalousie d'Aurelius) alors que c'est une thématique récurrente chez Basil Dearden mais néanmoins on retrouve cette mixité amoureuse absente du reste de la production anglaise d'alors. Le connaisseur de la pièce en reconnaîtra à quelques ellipses près le déroulement et c'est dans le jeu sur la musicalité des images et la dimension théâtrale que Dearden s'approprie le film. On a trois décors principaux avec la salle de concert, et deux pièces plus isolées. Les manipulations des espaces intimes trouvent leurs conséquences dans celui collectif de la salle de concert. Dearden joue sur le verbe et la nature de mauvais génie de Johnnie que Dearden traduit au fil de son empire sur Aurelius dont il stimule la jalousie. Le visage défait et colérique d'Aurelius s'impose donc en gros plan tandis que celui semant le fiel de Johnnie s'expose en arrière-plan par un jeu de focale et profondeur de champ. Dans la salle de concert, les suspicions et rancœurs s'expriment à l'inverse par la distance synonyme d'incompréhension. L'esprit tourmenté Aurelius observe de loin et avec une rage grandissante les échanges de Delia avec son vieil ami et manager Cass (Keith Michell) qu'ils soupçonnent d'être amants. Patrick McGoohan est parfait de duplicité, glissant la petite phrase et remarque innocente qui sèmera plus tard la discorde, affichant un regard constamment ambigu. Le scénario ajoute des éléments plus contemporains pour rejouer les péripéties de la pièce, notamment lorsque Johnnie fait fumer de la marijuana à Cass pour le monter contre leur producteur.

C'est la musique qui fera constamment grimper la tension au fil de l'intrigue. Une démonstration virtuose de bongos déclenche un montage saccadé entre l'instrument et les jeux de regards, plus tard le désir de tous les protagonistes masculins pour Delia s'exprimera par des inserts sur ces mêmes regards brûlants quand elle reprendra son emploi de chanteuse pour un instant. Mieux encore, un moment supposé intensément romantique scelle la défiance des époux lorsque Delia entonnera un langoureux All night long à Aurelius qui ne pense pas en être le destinataire. Dearden use de cette musicalité jazzy dans ses mouvements de caméra fluides qui participent à exprimer le drame en cours, la différence se ressentant avec le début du film où il se faisait l'illustrateur plus neutre du groupe dont il mettait en avant les aptitudes - les amateurs de jazz reconnaîtront Dave Brubeck et son groupe apparaissant en personne, et au passage Patrick McGoohan pas doublé s'avère un très bon batteur. La tension monte ainsi peu à peu pour aboutir à 20 dernières minutes d'anthologie. La violence explose définitivement, Dearden joue habilement de la théâtralité pour accentuer la dramaturgie (tonnerre et éclairs venant appuyer la conviction d'Aurelius d'être trompé) et se débarrasse de la rigueur géométrique initiale pour donner dans les cadrages baroques dont la démesure sert de révélateur. La brutalité fulgurante et sauvage d'Aurelius est un véritable choc que seule l'échappée à l'extérieur de de nid de tension saura calmer. D'ailleurs l'ouverture percutante stylisée sur fond de jazz enlevé et l'errance finale réconciliatrice montrent à nouveau que Dearden n'a pas d'égal pour filmer l'urbanité londonienne. 5/6
User avatar
Profondo Rosso
Howard Hughes
Posts: 16925
Joined: 13 Apr 06, 14:56

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Profondo Rosso »

Out of the Clouds (1955)

Image

Out of Clouds constitue pour Basil Dearden une variation de son approche dans ses grands polars au sein de la Ealing et plus particulièrement l'excellent Pool of London (1951). Out of Clouds se déleste de l'argument criminel (encore qu'à la toute fin un élément nous y ramène tout de même) mais reprend l'idée du récit choral décrivant le quotidien d'un lieu de convergence, de ses travailleurs et de leurs problématiques. Après le port et les marins esseulés de Pool of London, Dearden nous fait partager la journée d'un aéroport londonien. Le film adapte le roman The Springboard de John Fores et constituera à l'époque un des plus gros budget du Studio Ealing qui bénéficie de la collaboration du Ministère du transport et de l'aviation civile ainsi que de la compagnie aérienne anglaise BOAC et l'américaine Pan-Am. Le tournage se partagera entre le Heathrow Airport et le studio pour ce qui sera l'un des plateaux les plus impressionnant construit par Ealing avec la reconstitution à l'identique du terminal de l'aéroport. Cette débauche de moyens se ressent dans la facture visuelle fouillée et l'approche documentaire du film, la rigueur des manœuvres des pilotes se conjuguant aux séquences aériennes où les stock-shots alternent avec un usage habile de maquettes.

C'est bien évidemment dans la description de l'humain que ce réalisme joue à plein. Le scénario s'attarde autant sur les destins des professionnels (employés d'aéroport, pilote et hôtesse de l'air) que des voyageurs. Pour les premiers on aura le dépit de Nick Millbourne (Robert Beatty), pilote que des problèmes de santé immobilisent au sol où il officie en tant que chef d'escale dans l'aéroport. Le spleen et les tentations néfastes pèsent également sur le séduisant pilote Gus Randall (Anthony Steel), fuyant son mal-être dans le jeu et les amours furtives dans ses différentes escales. Dearden révèle les fêlures de chacun sans forcer, toujours dans la frénésie et l'urgence des lieux où pullulent les imprévus en tous genres. Cela joue aussi de la superstition et de la rigueur qu'amène le métier avec notamment le personnage de James Robertson Justice méfiant quand à une carlingue ayant le mauvais œil. Les quidams ordinaires font de ce microcosme un reflet du monde contemporain à travers Leah (Margo Lorenz) et Bill (David Knight), deux voyageurs en transit qui vont tomber amoureux. Le passé politique douloureux se dévoile à travers leur destination, lui se rendant à Israël en tant qu'ingénieur et elle à New York pour rejoindre et épouser un GI américain. Cette rencontre bouleverse leurs attentes, l'ambition professionnelle pour Bill et la quête de sécurité matérielle pour Leah ayant perdu sa famille dans les camps de concentration - le moment où elle pense que la limitation du transit est destinée à isoler les juifs révèle de manière frappante cette fêlure. L'ensemble de ces éléments narratifs préfigurent tout de même un peu le soap opera mais le traitement formel inspiré de Basil Dearden rend l'ensemble plus profond.

Comme souvent avec le réalisateur l'équilibre entre réalisme et stylisation est ténu. Parallèlement au réalisme ambiant, la photo de Paul Beeson capture merveilleusement le fog londonien et en fait un personnage à part entière. Il forme le cocon au monde extérieur pour les protagonistes, donne un contour féérique à une balade nocturne et exprimera le danger latent lors d'une périlleuse scène d'atterrissage. Les vignettes figées alternent avec une caméra très mobile qui explore l'aéroport de fond en comble avec en point d'orgue un travelling final accompagne dans un beau mouvement les différentes nationalités et compagnies s'agitant devant les comptoirs. Une nouvelle belle réussite pour Dearden. 4,5/6

Image

Image

Image

Image

Image
User avatar
Kevin95
Footix Ier
Posts: 18224
Joined: 24 Oct 04, 16:51
Location: Devine !

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Kevin95 »

Image

THE ASSASSINATION BUREAU - Basil Dearden (1969) découverte

Comédie macabre à la sauce anglaise, droite dans son tweed mais avec un rien de modernité, comme une version pop du Kind Hearts and Coronets (1949) de Robert Hamer. Début XXème siècle, une PME offre ses services pour buter son prochain tandis qu'une journaliste tente de mettre à mal l'organisation en mettant en vente la tête de son directeur. La chasse est ouverte, le boss teste ses employés quand lesdits employés tentent de flinguer leur supérieur (plus d’un aurait payé pour le faire), toute l'Europe devient un terrain de jeu alors que la Première Guerre mondiale est sur le point d'être déclaré. L'idée géniale de The Assassination Bureau est là, de dépasser le simple jeu du chat et de la souris (marrant une heure mais vite lassant) pour en faire un parallèle politico-historique. Les agents de l'organisation sont tous des figures du 19eme siècle et leur auto-dévoration annonce un nouveau siècle, balayant les guéguerres locales pour quelque chose de plus grand. Le bad guy Telly Savalas et ses délires fascistes comme avant-gout d'un siècle nouveau, complexe et destructeur. Rien de tout cela n'est dit franchement ou frontalement, The Assassination Bureau est surtout une comédie 60's trépidante dans laquelle Oliver Reed joue Bip Bip et une kyrielle d'acteurs les coyotes. Mais la fin d'une époque est perceptible et la mort de chaque ambassadeur du crime rejoue un cliché de la vieille école sur le point de mourir aussi (le français dans un bordel, l'italien par sa jeune femme pratiquant l'adultère, l'allemand dans un dirigeable etc.). Dix minutes en moins au montage n'aurait pas fait de mal, ça n'empêche pas le film d'être bon et sacrément amusant.
Les deux fléaux qui menacent l'humanité sont le désordre et l'ordre. La corruption me dégoûte, la vertu me donne le frisson. (Michel Audiard)
User avatar
Profondo Rosso
Howard Hughes
Posts: 16925
Joined: 13 Apr 06, 14:56

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Profondo Rosso »

Saraband for Dead Lovers (1948)

Image

Mariée au Grand Electeur de Hanovre Georges-Louis, Sophie-Dorothée s'éprend de Königsmarck, un officier suédois au service de l'armée de son époux. Amant de la Comtesse Platen, Königsmarck l'abandonne pour Sophie-Dorothée.

Saraband for Dead Lovers est la première grande production en couleur du studio Ealing pas encore réorienté vers la comédie. Ce film en costume relate les amours tragiques de Sophie-Dorothée de Brunswick-Lunebourg (Joan Greenwood) et Philippe-Christophe de Kœnigs mark (Stewart Granger), dont la romance adultère sera sévèrement punie par le futur George 1er d'Angleterre (Peter Bull). Le scénario de John Dighton et Alexander Mackendrick adapte le roman d’Helen Simpson paru en 1935. Cette base rend certes plus romanesque les évènements par rapport à la réalité historique à travers quelques changements (Sophie-Dorothée et Philippe Christophe amoureux depuis l'enfance se rencontrent pour la première fois à l'âge adulte dans le film, la trahison plus tragique qui révèlera leur liaison plus intense à l'écran que la simple délation possible de la réalité...) mais malgré tout la volonté de Ealing est de livrer un film vraiment rigoureux dans sa description. Le but était surtout de s'éloigner du standard irréaliste, flamboyant et rococo du studio Gainsborough qui triomphe à l'époque au box-office anglais - d'autant qu'Ealing prend le risque d'engager la pure star Gainsborough qu'est Stewart Granger.

ImageImageImageImage

Dès lors la tragédie ne naîtra pas de rebondissement extravagants, mais purement de ce contexte politique et de ses conséquences sur les personnages. Toute relation sentimentale est affaire d'entrave, de possession et de domination de l'autre tout au long du récit. L'amour n'a rien voir dans le mariage forcée que subit Sophie-Dorothée qui ne constitue qu'une alliance intéressante en vue de la conquête future du trône d'Angleterre pour George-Guillaume. De même Philippe-Christophe endetté se trouve à la merci de la vieillissante Comtesse Clara Platen (Flora Robson), folle de désir pour cet amant auquel elle ne peut s'unir que par la contrainte. Les contraintes des deux personnages se rejoignent, soumis à l'étiquette et aux ambitions politiques des puissants. Sophie-Dorothée voit peu à peu ses enfants lui être retiré, Philippe-Christophe résiste tant bien que mal à aller mener une guerre perdue d'avance et uniquement destinée à redorer le blason de George-Guillaume. Le rapprochement de ces "victimes" est donc immédiat, la compassion, la complicité et l'amour commun s'affirmant en une poignée de scènes remarquables. L'absence d'arrière-pensée et de calcul guident le côté très direct de la romance où un champ contre champs, un jeu de regard ou un plan d'ensemble (très belle scène de "party" mondaine en jardin) les unis à l'image, sans tergiversation excessive. La beauté et la jeunesse du couple accompagne cette simplicité quand les personnages satellite sont tous laids, vieillissants et monstrueux, que ce soit George-Philippe, sa mère (Françoise Rosay) ou la comtesse Platen. Leur nature néfaste se conjugue aux environnements sophistiqués où ils évoluent quand l'épure domine dans les lieux où s'expriment les sentiments nobles des amoureux. Ils sont même la seule lumière dans ce contexte vicié, que Basil Dearden visualise dans une extraordinaire scène de Mardi-Gras, la caméra virevoltant dans un montage saccadé, un tourbillon de couleur et une débauche païenne où se noie la pauvre Sophie-Dorothée. Le tumulte s'interrompt lorsque Stewart Granger surgit de la foule pour la prendre dans ses bras.

ImageImageImageImage

Basil Dearden fait preuve d'un élégant classicisme qui met en valeur la somptueuse direction artistique de Michael Relph et la photo tout en nuance de Douglas Slocombe, loin de la pétaradante reconstitution hollywoodienne. Les décors sont fabuleux également, notamment les maquettes qui se délestent par intermittences de cette fidélité historique pour de belles idées poétiques (les visages sur les vitraux de la cathédrale qui semblent littéralement pleurer avec l'effet de la pluie lors de la cérémonie de mariage) et tisser de superbe atmosphères gothiques embrumées pour tout ce qui concerne la narration au présent (le film étant un long flashback de Sophie-Dorothée sur son lit de mort). Dearden préfigure également les prouesses à venir de Stewart Granger dans le registre cape et d'épée avec un haletant et brutal duel dans la pénombre d'un château. Une belle réussite qui pourtant ne rencontrera qu'un succès mitigé sa sortie, sa sobriété perturbant un peu les spectateurs habitués à l'outrance des productions en costumes de Gainsborough. 4,5/6

ImageImageImageImageImageImage
User avatar
Profondo Rosso
Howard Hughes
Posts: 16925
Joined: 13 Apr 06, 14:56

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Profondo Rosso »

A Place to Go (1963)

Image

Il y a une sorte d'évidence à voir Basil Dearden signer ce A Place to Go, archétype du kitchen sink drama si en vogue dans le cinéma anglais du début 60's. Dearden est un précurseur en tout point du mouvement dont il anticipe les principes de réalisme et problématique sociale à travers l'argument du polar dans The Blue Lamp (1950) et Pool of London (1951) au sein de la Ealing. Par la suite quand il créera sa société de production avec Michael Relph, l'aspect polar même si toujours présent cède largement le pas à cette question sociale pour explorer des thèmes aussi audacieux que le racisme dans Sapphire (1959), la délinquance juvénile dans Violent Playground (1958) ou l'homosexualité avec Victim (1961). Au regard de ces réussites, A Place to Go parait nettement moins audacieux et novateur tant il s'inscrit dans les éléments classique du kitchen sink drama.

On suit ainsi le destin de Ricky (Michael Sarne), aîné de la famille Flint vivant dans l'East londonien et qui ne rêve que d'échapper à cet environnement. On découvre les difficultés de cette famille, entre l'usure et l'alcoolisme du patriarche (Bernard Lee), le dépit de sa petite sœur Betsy (Barbara Ferris) enceinte qui désespère de vivre dans son propre foyer avec son époux. Le job ennuyeux dans une usine à cigarettes pour Ricky, le chômage pour le père, tout cela constitue un réel pénible que les moments de joie ne peuvent contrebalancer et auxquels Dearden donne une tournure souvent amère comme cette séquence de nouvel an ou les sorties de pub peu glorieuses. L'échappée pour Ricky passe par des chemins plus ou moins honorables comme le jeu, la criminalité ou peut-être l'amour avec le revêche Catherine (Rita Tushingham). Ricky parait donc un angry young man typique du genre, mais sans l'excentricité du Albert Finney de Samedi soir, dimanche matin (1960), la rage taciturne de Tom Courtenay dans La Solitude du coureur de fond (1962) ou le tempérament rêveur du même Courtenay dans Billy le menteur (1963). Le film semble être à la traîne de ces grands films vraiment révolutionnaires, y compris dans le casting assez facile de Rita Tushingham, actrice immédiatement associée à ce courant depuis Un goût de miel (1961).

Si Dearden est paradoxalement suiveur de procédés qu'il a contribué à créer, il garde son talent pour concevoir un contexte réaliste et brosser des personnages attachant. Michael Sarne existe finalement dans ce tempérament faible et irrésolu, hésitant entre les futurs possibles sans faire les bons choix. Bernard Lee est très touchant également en ancien docker dépassé par les changements de mentalités, que ce soit en voyant son fils s'acoquiner au gangster local ou sa famille expulsée de son logement pour une barre d'immeuble de béton anonyme. Cette dimension intime se répercute dans la scène de casse, loin du suspense virtuose de Pool of London et recherchant avant tout à traduire le dilemme moral de Ricky. Un Dearden assez mineur donc et qui sans être inintéressant manque de personnalité par rapport à ses grandes réussites de cinéma engagé. 4/6
User avatar
Profondo Rosso
Howard Hughes
Posts: 16925
Joined: 13 Apr 06, 14:56

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Profondo Rosso »

They Came to a City (1944)

Image

La politique du ministère de l'information dans sa volonté de galvaniser le peuple anglais durant la Deuxième Guerre Mondiale fit le plus souvent opter la production cinématographique dans une veine réaliste. On oscille ainsi entre le style documentaire de films de guerre comme Ceux qui servent en mer de David Lean (1942) ou L'Héroïque parade de Carol Reed et la veine réaliste de mélodrames capturant la vaillance du peuple anglais durant le conflit tel que Ceux de chez nous de Sidney Gilliat (1943). Il existe pourtant quelques films empruntant une voie différente pour ce cinéma de propagande à travers un cinéma fantastique où l'argument surnaturelle sert le message par la métaphore. Cela donnera quelques beaux ovnis comme Thunder Rock des frères Boulting (1942) - où des fantômes inciteront un reclus à s'engager dans le conflit - et donc ce They came to the City produit par le studio Ealing encore aventureux et pas formaté à la comédie.

Le film adapte la pièce éponyme de J. B. Priestley qui apparait d'ailleurs en personne dans le prologue et l'épilogue et hormis les stars John Clements et Googie Withers conservent l'ensemble du casting scénique. L'intrigue voit un groupe de neuf personnages d'horizon différents transposés sans explication dans une cité mystérieuse. Les protagonistes constituent à la fois des archétypes sociaux et idéologiques dont l'introduction et le récit maintient ou fait transcender ce cliché initial. On trouve donc là un l'ouvrier John Dinmore (John Clements), l'hôtesse de bar Alice Foster (Googie Withers), les époux Malcolm et Dorothy Stritton (Raymond Huntley et Renee Gadd), l'homme d'affaire Cudworth (Norman Shelley), la vieille fille Philippa et sa mère (Frances Rowe et Mabel Thery), le bourgeois joueur de golf George Gedney (A. E. Matthews) et enfin la femme de ménage usée Mrs Batley (Ada Reeve). La mise en place mystérieuse introduit donc dans des situations ironisant, questionnant ou suscitant l'émotion quand à leur situation avant que des ténèbres étouffante les happent vers ce lieu étrange. La direction artistique de Michael Relph (futur collaborateur essentiel de Basil Dearden) offre une sorte de continuité au matériau théâtral avec cet immense rempart dépouillé où échouent les personnages. L'austérité sert ainsi une disposition scénique qui sert les joutes verbales mais la photo vaporeuse de Stanley Pavey et les fulgurances grandiloquente de Dearden donne à l'ensemble la dimension stylisée d'un véritable espace mental.

L'épure du cadre fait d'autant plus ressortir le caractère des personnages et les sentiments que leur inspirent les lieux. Pour la vieille fille Philippa et l'hôtesse Alice, c'est l'endroit de tous les possibles leur faisant échapper à leur morne quotidien : celui des jobs et ville interchangeables d'un labeur sans but pour Alice, et d'une mort lente dans l'ennui de la vie recluse que lui impose sa mère pour Philippa. L'égoïsme des nantis traduit un capitalisme aveugle chez Cudworth ou la si importante notion de lutte des classes de la société anglaise pour le jouer de golf et la mère de Philippa. Enfin la dépression et le dégout ordinaire de l'autre se ressent dans l'anxiété de Dorothy Stritton quand c'est un vrai bol d'air pour son époux. Les personnages se trouvent en fait dans l'antichambre d'une cité qui sera le reflet de leur psyché telle qu'on nous l'a présenté. John Dinmore, ouvrier enragé contre les nantis y voit un espace d'entraide et d'égalité. La femme de ménage à bout de force y trouve elle lieu où elle pourra enfin se reposer et Alice ce foyer qu'elle n'a jamais pu trouver dans le monde réel. D'autres rejetteront cette cité jurant avec leur vision étriquée dans l'individualisme social, capitaliste et hédoniste mais ciblant spécifiquement les mœurs anglaises. La question initiale de l'introduction du film était de savoir si durant l'après-guerre le peuple serait enclin à tout changer en tirant parti des erreurs passé ou de poursuivre l'ancien monde. Le patchwork de personnages donne différentes réponses à cette interrogation.

La fameuse cité provoquant l'épiphanie ou le dégout des uns et des autres restera invisible, l'opinion du spectateur se faisant à travers la réaction des personnages. C'est la grande idée du film qui laisse la représentation et l'idéologie possible à la seule interprétation du spectateur. Plus que le communisme auquel on pourrait penser c'est surtout l'humanisme qui prédomine (y compris chez certains qui choisiront de ne pas rester dans la cité) dans une volonté de s'imprégner, de diffuser ou de fuir cette bienveillance utopique. Le film devient ainsi plus proche de certaines fable de Michael Powell et Emeric Pressburger, ou de certaines tentatives américaines mystiques comme Horizon perdus de Frank Capra, Le Fil du rasoir d'Edmund Goulding ou Le Secret Magnifique de Douglas Sirk. Un vrai ovni et certainement le film le plus étrange de Basil Dearden. 5/6

ImageImageImage
User avatar
Alexandre Angel
Une couille cache l'autre
Posts: 10859
Joined: 18 Mar 14, 08:41

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Alexandre Angel »

C'est curieux, personne n'a encore parlé de Khartoum, classique des diffusions télé d'il y a un bail!

Image

Elle est classe l'affiche, hein? :D
User avatar
Rick Blaine
Charles Foster Kane
Posts: 21700
Joined: 4 Aug 10, 13:53
Last.fm
Location: Paris

Re: Basil Dearden (1911-1971)

Post by Rick Blaine »

C'est sympathique Khartoum, mais très anodin. C'est très faible devant la filmographie de Dearden dont on sent qu'il n'est pas du tout dans son élément. De ce que j'ai vu de lui pour l'instant, c'est de loin le film le moins intéressant.