"Je pense qu’avec ce projet, Arthur (Freed) ne se rendait pas tout à fait compte qu’il allait me donner le coup de pouce final qui me ferait entrer dans la catégorie des ‘grands’. C’est pourtant ce qui se produisit" raconte Vincente Minnelli dans son autobiographie I remember it well (Tous en scène aux éditions Ramsay Poche). Il n’aura pas fallu longtemps au cinéaste pour acquérir la célébrité puisque Meet Me in St. Louis n’est alors que son 3ème long métrage. Ses recettes furent 5 fois supérieures au coût de départ (il s’agissait pourtant déjà d’un gros budget) et en 1944, il devient le plus grand succès de l’histoire du cinéma après Autant en emporte le vent de Victor Fleming. La vision de cette vieille Amérique colorée et nostalgique, aux antipodes des métropoles bruyantes et du monde en guerre, fit affluer le public qui s’y rua pour oublier la tragédie de l’époque et surtout les séparations familiales. Grâce à cette réussite financière, et pour notre plus grand bonheur, Vincente Minnelli aura désormais carte blanche pour la suite de sa carrière.

Celle-ci, en tant que réalisateur, avait débuté seulement deux ans plus tôt avec le délicieux Un petit coin aux cieux (Cabin in the Sky), interprété entièrement par des acteurs noirs, suivi de I Dood It (Mademoiselle ma femme) que les rares chanceux ayant pu le voir qualifient d’insignifiant (mais il serait quand même agréable que cette rareté puisse nous être dévoilée un jour). Le film qu’Arthur Freed avait alors l’intention de produire était inspiré d’une série de récits nostalgiques que Sally Benson avaient écrits pour la revue New Yorker avant d’être rassemblés dans un ouvrage intitulé Meet Me in St. Louis. Il s’agissait en fait de simples souvenirs d’enfance qui touchèrent Minnelli par leur chaleur et leur humour ; il accueillit donc le projet avec enthousiasme après que Cukor eut décliné l’offre pour cause de mobilisation. Alors qu’il tournait I Dood It, deux scénaristes se mirent au travail, et, jugeant le livre dénué de tout "coup de théâtre", rajoutèrent à l’intrigue une histoire de chantage qui ne convint pas du tout au réalisateur. Arthur Freed engagea alors un autre duo, composé de Fred Finklehoffe et Irving Brecher, à qui il dit d’écrire en ayant en tête que le rôle principal serait tenu par Judy Garland. Ils accouchèrent du scénario final en se basant uniquement sur un seul épisode de l’œuvre originale.

Au départ, personne ne croit au projet à cause de la trop grande simplicité de l’intrigue et de son manque de progression dramatique. Un autre problème se posa alors : Judy Garland, qui venait d’avoir 21 ans et qui n’avait évidemment pas été consultée auparavant, ne voulut pas jouer Esther. Elle essayait par tous les moyens de ne plus incarner les petites filles et de paraître enfin en femme aux yeux du public. Elle fut soutenue par le studio et Louis B Mayer en personne qui trouvait lui aussi qu’"il n’y avait pas d’histoire dans ce scénario" ! Jouant sur le fait qu’il n’avait eu jusqu’à présent que des succès à son actif, Arthur Freed ne faiblit pas une seule seconde et obtint qu’on lui accorda ce qu’il avait toujours voulu dès le départ : Judy Garland serait donc la vedette de ce film, qu’elle le veuille ou non ! Louis B Mayer fut bien obligé de pousser sa star à "accepter" le rôle. Bien leur en prit à tous les deux ! Judy Garland devint par la suite l’épouse du réalisateur et, si elle ne crut pas immédiatement à son rôle, "à partir du moment où elle saisit les motivations du personnage, elle se montra aussi brillante dans les scènes dramatiques que dans les numéros musicaux…Si Judy n’avait finalement pas cru à l’entreprise, le film aurait été un échec complet. Aussi, lorsque je la vis s’y engager à fond, je compris que nous allions au contraire vers le succès" (Tous en scène). Avec moins de "partis-pris sentimentaux" que l’ex-mari, nous ne pouvons pas faire autrement que d’approuver son jugement sur la jeune star : ici, elle est effectivement prodigieuse et nous montre une étonnante maturité artistique dans tous les registres, tant dramatiques, humoristiques, tendres, fantaisistes que musicaux. Son visage expressif n’a peut-être jamais été aussi amoureusement filmé (hormis peut-être par Cukor dans A Star is Born) que lors de la chanson The Boy Next Door où nous la voyons assise à sa fenêtre l’air rêveur et romantique et peut-être encore plus dans la célèbre Have Yourself a Merry Little Christmas : deux tableaux de maître !

Le producteur engagea aussi Ralph Blane et Hugh Martin pour écrire les chansons ; il ne le regretta jamais non plus, trois d’entre elles étant devenues d’immenses standards et même, Have Yourself a Merry Little Christmas, un classique des chants de Noël. Le décorateur Lemuel Ayres eut pour consigne de s’inspirer des tableaux de Thomas Eakins et la grande couturière Irene Sharaff fut appelée de New York pour les costumes. Tous deux réussiront également un travail absolument époustouflant, le décorateur faisant même faire construire une rue complète en studio. Quant à la photo, puisque Le chant du Missouri allait être le premier film en technicolor de Minnelli, on enjoignit à ce dernier de suivre les conseils de Nathalie Kalmus, la conseillère de la MGM pour la couleur. Mais le goût et l’assurance du réalisateur pour tout ce qui touchait à ce domaine étaient si grands, que malgré toutes les recommandations prodiguées par la conseillère, il préféra se fier à son intuition. Bien lui en a pris quand on voit le résultat à l’écran. Dès ce film, il deviendra alors l’un des plus grands coloristes et esthètes du cinéma américain. George Folsey à la caméra lui fut d’une aide remarquable et le premier à renforcer dans l’esprit de Minnelli l’idée qu’il avait en germe de la "chorégraphie de la caméra". C’est dans la fameuse séquence The Trolley Song (ou bien celle dans laquelle les deux amoureux éteignent les lampes unes à unes) que Vincente Minnelli entame ses expérimentations qui aboutiront pleinement dans des scènes d’une perfection qui laisse pantois comme celles du ballet final dans Un Américain à Paris, de la chasse à l’homme (Harry Beaton) dans Brigadoon ou dans Celui par qui le scandale arrive ; quelques exemples qui sont là pour prouver le génie du réalisateur et l’élégance unique de ses mouvements de caméras.

Alain Paucard a écrit dans Le guide des films (collection Bouquins) : "Ce pourrait être une bluette affligeante, c’est admirable…Minnelli a déjà maîtrisé ce qui va devenir l’essence de son style, la capacité à transcender le quotidien en un univers merveilleux". En effet, Meet Me in St. Louis est une symphonie en quatre mouvements épousant le rythme des saisons pour conter une chronique exemplaire exaltant les vertus de la vie familiale et le charme idyllique de la vie de province américaine. Chacun d’eux débute par une carte postale désuète montrant la maison des Smith de face en plan d’ensemble et qui, par un subtil fondu enchaîné, se met à vivre comme par magie. Le spectateur entre alors avec son âme d’enfant dans cet univers doucereux et nostalgique, véritable hymne à la douceur du foyer. Je crois déjà entendre l’expression "film passéiste" à propos de ce "sommet de poésie domestique" ! Si une famille heureuse doit obligatoirement être vue comme réactionnaire et la modernité devant alors se jucher dans une famille désunie, soit, mais laissez moi ne pas en être convaincu ! S’agissant de la recréation d’un monde et d’une époque révolus, comme ceux de Brigadoon ou Le Pirate, je ne vois pas en quoi il serait rétrograde, la tendre nostalgie ne pouvant être à chaque fois associée à de l’immobilisme. Il s’agit bien ici d’une vision sacralisée mais aussi très sensible de la vie familiale ; une représentation certes idéalisée à outrance mais qui ne saurait être conservatrice, Minnelli ayant prouvé à de nombreuses reprises par la suite qu’il n’avait pas du tout cette vision du monde (voir à ce propos la destruction partielle, 9 ans plus tard, de cette même maison des Smith par une caravane dans La roulotte du plaisir, satire corrosive qui se moque avec une ironie féroce de cet "American Way of Life").

N’oublions pas que Meet Me in St. Louis est aussi associé au genre de la comédie musicale même s’il ne comporte quasiment aucun numéro spectaculaire ni aucune danse ou chorégraphie autres que dans deux séquences mais qui s’intègrent parfaitement à l’intrigue puisque se déroulant lors d’une soirée ou d’un bal, les fameux "Under the Bamboo Tree" dansé sans aucune virtuosité par Judy Garland et Margaret O’ Brien et le medley d’airs traditionnels que constitue Skip to my Lou. Le morceau titre débute le film de la plus joyeuse et la plus "chorale" des manières puisqu’il fait, en plusieurs fois, chanter un par un quelques membres de la famille, puis fait voir se dessiner l’un des plans les plus délicats de l’histoire du cinéma, celui de Lucille Bremer et Judy Garland de profil au piano : la grâce incarnée ! S’ensuivront dans le désordre le touchant The Boy Next Door, l’entraînant The Trolley Song puis les deux sommets émotionnels du film. Tout d’abord You and I en plan quasi-fixe, montrant par l’intermédiaire d’une chanson, la réconciliation du mari et de la femme, puis de toute la famille, après le désaccord sur le déménagement. Pour l’anecdote, c’est Arthur Freed lui-même qui prête sa voix au comédien Leon Ames. Sans vous en dire plus, je vous laisse découvrir la scène pour y apprécier la formidable utilisation de la "non profondeur de champ". L’autre séquence inoubliable est celle, fameuse, des bonhommes de neige précédée par la non moins célèbre et splendide Have Yourself a Merry Little Christmas chantée avec une sincère et poignante émotion par Judy Garland pour consoler Tootie, sa petite sœur, désemparée à l’idée de quitter sa ville et sa maison.

Tootie est d’ailleurs le personnage le plus intéressant du film, celui qui va le plus à l’encontre de la mièvrerie dont on le taxe parfois. En effet, sa préoccupation principale est la mort, elle en est obnubilée et n’arrive presque à parler que de ce sujet qui la tourmente. Elle sera l’héroïne d’une scène (honteusement expurgée de certaines copies dont celle diffusée sur TCM mais que nous retrouvons heureusement sur le DVD) qui détonne par son expressionnisme : un certain Tom Peeping, du forum DVDclassik, l’a décrite ainsi : "C'est d'ailleurs l'un des mes grands souvenirs du film, avec une palette de couleurs qui change complètement (ocres, bruns, noirs, rouges... éclairés en partie par les flammes d'un bûcher). Presque toute la scène se passe dans la rue, entre deux rangées d'arbres. Je me souviens de la sensation du souffle chaud du vent d'automne. Un travelling arrière sur Margaret O'Brien qui se dirige terrorisée vers la maison d'un ‘ogre’ dans la nuit (avec du vent dans les arbres, les cris des enfants...) : génial." Après l’avoir enfin découverte, je ne peux que confirmer cette impression spontanée. "Son" autre séquence est celle citée plus haut de la destruction des bonhommes de neige. Elle symbolise en quelque sorte le meurtre rituel du père à un moment de climax où, excédée à un tel point, Tootie en arriverait presque à de telles extrémités. Le patriarche, "The Lord and Master", est d’ailleurs quasiment toujours en conflit avec le reste de la famille malgré cette apparente harmonie idyllique du foyer. Jamais au courant de rien (des amours de ses filles, du probable mariage de son aînée…), rarement d’accord avec son épouse, c’est lui qui travaille pour subvenir à leurs besoins et à leur confort, ce qui n’empêche pas l’antagonisme flagrant mais jamais méchant entre lui et le reste de la famille. Pas si mièvre qu’il en à l’air ce Chant du Missouri car le père "bienfaiteur" est bel et bien vu avec une gentille moquerie par le réalisateur. Leon Ames, tout en finesse, interprète ce rôle à merveille.

La recréation subtile de ce monde disparu, la reconstitution idéalisée de cette Amérique provinciale ont stimulé l’imagination et la sophistication visuelle du réalisateur pour ce qui demeure sa première chronique familiale. Grâce au talent de coloriste du cinéaste, la surcharge décorative souvent critiquée est pourtant un régal pour l’œil et n’empêche à aucun moment de se passionner et de s’émouvoir pour les personnages. Drôle, charmante, tendre mélancolique, fluide, épurée, fraîche, entraînante, "picturalement" euphorisante, vous aurez compris que cette œuvre représente pour moi un chef-d’œuvre du 7ème art. En 1948, la Fox produisit un remake, Centennial Summer, réalisé par Otto Preminger avec Jeanne Crain, Cornel Wilde et Linda Darnell. L'histoire se déroulait cette fois à Philadelphie en 1876 pour l'Exposition de cette ville et la musique était signée Jerome Kern.

"A présent, Meet Me in St. Louis était prêt à sortir. J’étais sûr d’avoir fait un bon film, plein de sentiments et non pas de sentimentalisme, plein aussi de personnages authentiques et de petites touches très humaines…Meet Me in St. Louis fut mon examen de passage définitif. Mayer se montra très enthousiaste et tous les autres grands pontes de la direction, qui avaient été contre le projet à l’origine, reconnurent leur erreur…" Partageons nous aussi cet enthousiasme unanime et délectons nous de ce monument de délicatesse qui trouve avec ce DVD un écrin à sa juste mesure ! Si la scène de liesse du soir de Noël ne vous fait pas bondir le cœur de joie (comme la scène finale de La vie est belle de Frank Capra), c’est que vous êtes des durs à cuire !