Il ne faut pas chercher loin pour comprendre l’intérêt que porte Mizoguchi pour les petites gens, les saltimbanques et les prostituées… En 1905, au lendemain de la guerre nippo-japonaise, le pays traverse une grave crise économique, Mizoguchi a 7 ans quand la petite entreprise dirigée par son père fait faillite. Plongée dans la misère, la famille déménage dans un taudis d’Asakuza, quartier mal famé de Tokyo où le jeune Mizoguchi passera son enfance, traînant souvent après l’école dans les nombreux théâtres populaires d’un quartier peuplé de prostituées et de marginaux. Les souvenirs de cette époque et de ses déambulations sont le terreau d’une grande partie de son œuvre…

Dès qu’il en a l’âge, son père le met au travail comme apprenti chez un dessinateur sur soie. Mizoguchi attrape très vite le goût du dessin. « Ce que je voulais, c’était devenir peintre, un vrai peintre, et j’allais fréquenter l’école Aoibashi (le pont bleu) à Tameike.(1) » Il commence ainsi des études artistiques dans une académie dont il sortira diplômé en 1915. En 1917, il a quitté Tokyo et rejoint le port de Kobe sur la côte nord du Japon, où il trouve un poste de dessinateur dans une gazette locale. Cette passion pour la peinture ne le quittera plus et débordera sur son cinéma, où il s'attachera à faire de chaque plan une splendeur visuelle, une composition parfaite digne d’une toile. C’est d’ailleurs principalement d’un point de vue pictural que Mizoguchi va s’impliquer dans le cinéma, déléguant à son équipe les autres contingences d’un film (2).

Cinq femmes autour d’Utamaro

En adaptant en 1946 un épisode romancé de la vie du célèbre peintre japonais Utamaro Kitagawa (1753 – 1806), Mizoguchi rend un vibrant et passionné hommage à l’art qui l’a vu commencer (le dessin). Il n’est d'ailleurs pas difficile de voir en Utamaro un alter-ego du réalisateur tant leurs personnalités se rejoignent. Le principal refuge du peintre était Yoshiwara, quartier des plaisirs d’Edo où il fréquentait essentiellement maisons de thé et courtisanes (3). Spécialiste de l’Ukiyo-e (4), Utamaro s'était fait une renommée pour ses portraits de courtisanes (Bijin-ga) admirés dans tout Edo. Mizoguchi dépeint un homme dévoré de passion pour les femmes et pour son art, toujours à l'affût d'une beauté à saisir, toujours prêt à capter la sensualité d'un geste ou d'un corps. Interprété par Minosuke Bando qui lui prête son air malicieux, le peintre est présenté comme un personnage pétillant, facétieux mais non dénué par moments d'une certaine mélancolie. Poète graphique sensible à l'âme qui se cache derrière des traits fins (ou non). Amoureux de la femme sans arriver à réellement s'en faire aimer en retour, Utamaro se présente dans le film comme une sorte de Cyrano nippon; confident (d'Okita ou de Yukie) mais jamais amant, entremetteur malgré lui, trouvant dans son art le sens de sa vie et dans la femme son inspiration la plus pure. Il est d'ailleurs significatif que les rares moments d'amertume ou de déception sentimentale coincideront avec des périodes de stérilité artistique. Pour Mizoguchi, cet abandon total dans l'art est la seule voie vers la réussite et c'est parce qu'il s'abîmera dans les plaisirs faciles, délaissant l'essence de son art que Seinosuke ne touchera jamais à la grâce d'Utamaro. Comme le sera plus tard L'amour de l'actrice Sumako, Cinq femmes autour d'Utamaro est un formidable film sur la passion dévorante d'un homme par rapport à son art, doublé d'une passionnante réflexion sur la création artistique. Comme les protagonistes de L'amour de l'actrice Sumako, le peintre ne peut envisager sa vie qu'au travers de son art et avec son art. Sumako se suicidera après le décès de celui qui la faisait vivre à travers le théâtre, Utamaro ne vit qu'en dessinant et il n'aura de cesse de reprendre le pinceau, comme mû par une nécessité vitale lorsque les liens imposés par la censure seront déliés. Le choix de cet épisode de la vie du peintre où il est contraint, par décision du pouvoir, à vivre les mains liées (et par là, incapable d'exercer) pour avoir réalisé un dessin à caractère politique, ce qui était à l'époque strictement prohibé, permet à Mizoguchi d'aborder le thème de la censure qui le touche particulièrement. En effet, pendant toute la durée de la guerre, le cinéaste vit excessivement mal la censure qu'impose le pouvoir mis en place depuis la fin de l'occupation de l'Indochine par le Japon. "A cette époque, le cinéma devenait pour moi un art extrêmement difficile" (5). Bien que la censure ait été officiellement supprimée, elle s'exerce encore par l'entremise de David Conde chargé de contrôler l'industrie cinématographique par les forces d'occupation américaines. Le film à ce titre peu aisément être vu comme un pamphlet en faveur de toute liberté d'expression.

L’épée Bijomaru - "Si je le venge avec un sabre que tu as forgé, mon père en sera très heureux."

Situé chronologiquement à la toute fin du Shogunat, L'épée Bijomaru est, bien que là ne soit pas tant la préoccupation première du cinéaste, l'occasion pour Mizoguchi de se pencher sur l'histoire de son pays et notamment sur les événements importants que constitue la Restauration, sur les mentalités de l’époque pré-Meiji et en particulier sur les rapports entre les partisans du retour de l’Empereur et les défenseurs du pouvoir shogunal. Il est difficile de dire quelle et la position du cinéaste par rapport à ces événements. Tourné en 1945 alors que le cinéma était toujours sous la coupe du pouvoir militaire, le film se devait d'une certaine façon d'exalter le sentiment national et la loyauté à l'Empereur, c'est donc en toute logique qu'une des toutes dernières paroles du film est "Comme le voulait le maître, ce sabre a finalement servi l'Empereur"… Mais encore une fois, Mizoguchi détourne le discours pour mieux servir son sujet (la création) à l'instar de ce monologue du forgeron au milieu du film qui donne lieu à une des plus belle scène du métrage : " Kiyone, Kiyotsugu, regardez! Kunimura, Kuniyoshi, Kunitoki, Kuniyasu. Les forgerons de Kyushu : les Enju. Les Shoguns Ashikaga n'ont jamais eu de sabres de cette famille. Les Enju, par leur force d'âme témoignaient leur loyauté à l'Empereur. Les Ashikaga avaient ursurpé le pouvoir de l'Empereur. Les Enju forgèrent leurs sabres pour les anéantir. L'âme d'un forgeron est l'âme du sabre. Un sabre japonais doit toujours être forgé dans cet esprit. J'ai souffert d'avoir perdu mon but de forgeron. J'ai passé des journées entières sans rien faire, mais j'ai compris. J'ai enfin compris. (…) Pendant 200 ans, le clan des Shoguns a usurpé le pouvoir, détournant la longue lignée impériale. Et c'est pour ces usurpateurs de Tokugawa que j'ai forgé des sabres! Honte à moi, Kiyohide! Maintenant, je connais l'âme du sabre. Je sais où mène le chemin du forgeron. Je regrette tant de mourir avant que se lève le jour de la restauration impériale. Après ma mort, je vous le demande! Ne fermez pas cet atelier, continuez. Recueillez l'âme de votre maître et désormais, ne forgez de sabre pour nul autre que pour l'Empereur!"

Derrière le prétexte d’une relativement simple histoire de vengeance, c'est une fois de plus de création que Mizoguchi nous parle, suggérant la nécessité d'injecter une âme dans l'œuvre en devenir au risque de voir celle-ci sans valeur, faisant clairement ici la distinction entre le technicien qui s'exécute et l'artiste qui y met son âme et toute sa sincérité… Ceci est d'autant plus vrai pour un Katana qui, au-delà de sa condition de vulgaire arme blanche revêt pour le samouraï un caractère sacré, il est donc important que le forgeron le crée avec son cœur et son âme ("L'âme d'un forgeron est l'âme du sabre. Un sabre japonais doit toujours être forgé dans cet esprit."). Ainsi, lorsque, examinant un sabre tout frais forgé d'apparence parfaite, Kiyone étonné de la colère de son maître, lui demandera : "Quel est le défaut de cette pièce", ce dernier lui répondra : "Tu ne vois pas? (…) Ce sabre n'a pas d'âme!". Cette scène trouve son correspondant dans Cinq femmes autour d'Utamaro lorsque Seinosuke tente de démontrer la supériorité de son art à Utamaro au début du film. Celui-ci lui propose de réaliser un dessin. Seinosuke s'applique dans un portrait et Utamaro lui rétorque : "Il manque quelque chose! Elle n'est pas vivante…" L'oeuvre peut être techniquement parfaite mais manquer de l'essentiel, de ce petit plus qui en fait un chef d'œuvre, qui touche au cœur au-delà du simple ravissement des sens. Mais cette étincelle ne peut venir sans inspiration et, comme souvent chez le cinéaste (Sumako est la muse de Shimamura, les femmes et Okita en particulier pour Utamaro…), celle-ci vient de la femme. Ici encore, c'est son amour pour une femme, Sasae qui permettra à Kiyone de surmonter son incapacité à forger un sabre digne de ce nom. Mizoguchi nous montre littéralement cette inspiration dans une scène dans laquelle il met en pratique toute sa connaissance du langage cinématographique. Scène où cet amour inspirateur, "figuré" par une représentation spectrale de la jeune femme, vient donner l'énergie nécessaire au forgeron pour terminer son Katana. Energie-inspiration que son assistant seul n'aura pas réussi à lui insuffler.

Si ce film relativement court est considéré par certains (dont Kaneto Shindo) comme un Mizoguchi mineur, il n'en reste pas moins très plaisant à regarder. Mizoguchi y fait preuve par moment, comme dans le film précédent d'une fraîcheur et d'un humour inattendu (les rapports du couple Kiyone – Sasae par exemple, sont empreints d'une sincérité vivifiante). Si le scénario peut en effet, d'un premier abord, sembler un peu léger voir inconsistant, les personnages (dont celui de Kyone interprété avec beaucoup de sensibilité par Shotaro Hanayagi (Contes des chrysanthèmes tardifs)) sont suffisamment attachants pour qu'on se préoccupe de leur sort. Le spectateur suit ainsi avec la fébrilité communicative des acteurs la création de ce sabre au devenir peu recommandable. Visuellement, L'épée Bijomaru ne souffre d'aucun reproche. Certains plans sont de toute beauté, Mizoguchi y démontrant toute sa maîtrise du sens du cadre et de la composition de l'image (la rencontre au clair de lune entre Kiyone et Sasae pour ne citer que celui-là par exemple).

L’amour de l’actrice Sumako - « Bâtir un sanctuaire pour le théâtre. Je l’appellerai 'Théâtre de l’art'»

Dans L’amour de l’actrice Sumako, Mizoguchi s’inspire un authentique fait divers(6) pour raconter une passion qui va au-delà de toutes les conventions et règles sociétales en vigueur à l’époque. Celle de deux êtres l’un pour l’autre mais aussi celle de chacun de ces êtres pour le théâtre et les conséquences que cette dernière va avoir sur leur vie. Sumako est pour Shimamura, celle qui va matérialiser ses rêves de metteur en scène. « De toute façon, la vie est destruction. Il vaut mieux suivre son destin. Avec toi, j’ai enfin trouvé la joie. Mon art, mon être ne prennent vie qu’avec toi. » (Shimamura). Elle est celle pour qui Shimamura va tout quitter (travail, famille) afin de réaliser des rêves qu’il osait jusque là à peine faire. En la mettant en scène, Shimamura offrira à Sumako son rêve au travers du triomphe et de la reconnaissance publique et critique de sa performance d’actrice. « Ce n’est pas une erreur, il est tout pour moi ! Pour mon interprétation, ma vie… J’ai besoin de lui pour vivre ! » (Sumako)

Mais ce n’est pas tant la passion amoureuse qui intéresse Mizoguchi ici. Celle-ci sert de toile de fond à l’analyse de cette autre (qui est aussi celle de Mizoguchi après le dessin, réminiscence des errances de son enfance), celle de l’artiste pour son art et les conséquences que peut engendrer sur sa vie l’implication totale qu’il peut avoir dans cet art. Après la peinture, Mizoguchi s’intéresse à une autre de ses passions, le théâtre. Se souvenant de ses errances enfantines dans les bas quartiers de Tokyo où il s’infiltrait dans les salles où se jouait le Shingeki (7), il va s’attacher à dépeindre la vie et les difficultés d’une petite troupe de théâtre d’avant-garde dont la vedette est féminine, chose encore inconcevable avant l’ère Meiji. Ce faisant, il ne se départit pas d’une certaine critique sociale notamment à l’encontre de l’intolérance d’une société japonaise encore engoncée dans des valeurs féodales et pour laquelle la liaison adultérine entre Shimamura et Sumako reste inacceptable et scandaleuse ; raison pour laquelle, tous deux devront faire de douloureux choix pour pouvoir vivre « honnêtement » sa vie. « Honnêteté », non pas par rapport a de quelconques valeurs morales, mais bien en rapport à un plan de vie, à un épanouissement personnel. Dès sa rencontre avec l’actrice et son triomphe, il n’est plus possible pour Shimamura de continuer à se mentir en restant dans une famille qui ne comprend pas ses aspirations artistiques (8). Critique également à l’encontre de l’immobilisme des milieux intellectuels peu enclins à s’ouvrir à de nouvelles formes d’expression (cfr. par exemple la réunion de travail au début du film où certains membres du cercle littéraire freinent des quatre fers à l’idée de monter la pièce d’Ibsen – « C’est prématuré d’attaquer ça, il vaut mieux jouer Shakespeare. C’est trop difficile à faire comprendre au public… »). Mizoguchi stigmatise ici encore l’inertie d’une société japonaise qui a encore bien du mal à évoluer, à se libérer du poids de traditions encore trop lourd à porter pour beaucoup. « La société ne l’acceptera pas ! Renoncez à lui ! »

Les femmes de la nuit

Adapté d’un roman d’Eijiro Hisaita (9), ce mélodrame d’un pessimisme et d’une noirceur extrêmes, même si le dénouement peut laisser une lueur d’espoir, dépeint la descente aux enfers de trois femmes aux destins croisés. Fusako, sa sœur Natsuko et Kumiko, une jeune fille dont s’occupe la première. Filmé presque exclusivement en décors naturels (à l'exception de la dernière scène dans la décharge près de l'église en ruine), dans un Japon détruit et ruiné, le film nous montre des ruelles sordides, de quasi bidonvilles, des bâtiments de béton mornes dans lesquels se débattent des personnages pour la plupart perdus et détruits. Si Mizoguchi et son scénariste Yoshikata Noda (10) ont à cœur de pointer du doigt la situation de la femme dans le Japon de l’immédiat après-guerre, et cela au travers d’une peinture réaliste de la vie et des problèmes rencontrés à l’époque, malheureusement, sous le couvert d’un certain réalisme social, ils pèchent par excès et accablent beaucoup trop leurs héroïnes. Si les malheurs dépeints (tuberculose, décès des proches, misère, syphilis…) devait être monnaie courante à l’époque, l’accumulation ici sur une même personne alourdi franchement le propos car c’est avec un véritable acharnement que les malheurs s’abattent sur Fusako. Sans toit depuis l’incendie de sa maison, espérant chaque jour le retour d’un mari qui ne reviendra pas, Fusako est contrainte à vivre avec son fils tuberculeux chez ses beaux-parents. Son existence tenant plus de la survie que de la vie, elle tente tant bien que mal mais honnêtement, par la vente de quelques vêtements, de trouver l’argent pour soigner son fils et nourrir une belle-famille assez oisive. Ayant trouvé un travail après le décès de l’enfant, elle retrouve sa sœur de retour de Corée qui lui annonce le décès de ses parents. Alors qu’elle pensait pouvoir entretenir une relation amoureuse avec son patron, encouragée en cela par sa sœur, elle se découvre trompée par cette dernière. Blessée par l’existence, la mère modèle du début va se muer en implacable chef des prostituées partie en croisade contre la gente masculine dont elle est bien décidée à se venger. Le sort ne s’abat pas moins sur les deux autres héroïnes. Natsuko survit comme danseuse dans un cabaret, elle a été violée par les hommes sur le bateau qui la ramenait de Corée et, syphilitique, elle finira par perdre l’enfant que son amant emprisonné voulait de toute façon qu’elle se débarrasse. Kumiko, dépouillée à son arrivée à Osaka, n’aura d’autre recours également que la prostitution.

Cet univers impitoyable dans lequel ces femmes se débattent ne leur laisse aucune chance. Pire, là où le soutient mutuel aurait pu les sauver, la nécessité de survie les pousse même à s’opposer sans aucune concession ni pitié. Hormis le patron / amant de Fusako, les seuls hommes du film ne sont pas hostiles. Ils n’exploitent pas les femmes, ils tentent de les aider (médecins, directeur de homes d’accueil…). L’ennemi de la femme semble être la femme elle-même. La sœur de Fusako la trompe, on voit une militante anti-prostitution se railler de leur sort, les prostituées entre elles sont d’une violence inouïe…La violence dirigée contre les femmes est ici essentiellement le fait d’autres femmes, ce qui rend le message du film légèrement ambigu et rend le métrage plus noir encore. Sans solidarité interpersonnelle, pas d’espoir.

Flamme de mon amour

Beaucoup plus subtil, mais nettement plus militant que son prédécesseur dans l’évocation de la condition féminine et des mentalités masculines, Flamme de mon amour est un petit bijou décrivant le parcours d‘une jeune étudiante idéaliste fraîchement débarquée à Tokyo pour y retrouver son ami parti y étudier. Mizoguchi dépeint avec minutie le climat politique et social de cette fin de dix-neuvième siècle au Japon. La Restauration ayant ouvert de nombreuses portes notamment dans le domaine de l’éducation, le pays aspire à plus de modernité et essaye de faire une croix sur son passé en abolissant certaines habitudes encore liées au système féodal. C’est dans ce contexte d’effervescence politique et culturelle que Mizoguchi place son histoire. Sur un carton à l’ouverture du film, il annonce clairement ses intentions: « Ce film montre le douloureux combat d’une femme luttant au nom de la liberté contre le système familial féodal issu d’une longue tradition. C’est un appel aux jeunes générations pour une véritable libération des femmes. ». Et de fait, le métrage s’avère éminemment politique.

« Les femmes ont toujours été élevées dans la soumission aux désirs des hommes. Mais nous ne sommes pas des esclaves. Si les hommes sont des humains, les femmes n’en sont pas moins ! Comme êtres humains, tant dans l’éducation, la profession ou la vie familiale, dans tous les domaines de la vie, femmes et hommes doivent être totalement égaux. Je défendrai ce principe jusqu’au bout. La route sera escarpée et même en y pariant notre vie, nous ne parviendront peut-être pas au but. Mais si quelqu’un ne fait pas le premier pas, les femmes ne connaîtront pas la liberté. » Ces paroles mises dans la bouche de Toshiko Kishida, la militante féministe en visite à Okayama et le départ de Chiyo, vendue par son père conditionneront la prise de conscience d’Eiko et sa décision de partir pour Tokyo. Mizoguchi va dès lors s’attacher à dépeindre son implication progressive dans le Parti libéral (de par sa liaison avec Omoi) jusqu’à la dissolution de celui-ci et son combat par la suite au côté du politicien pour la libération des femmes… Si Mizoguchi dépeint dans une série de tableaux d’une violence rare le statut des femmes dans cette société essentiellement machiste (voir à ce titre, la scène de la filature ou les scènes au pénitencier… ), le maître se garde bien de tomber dans un manichéisme trop facile. Il est intéressant de voir que si la violence se fait essentiellement à l’encontre des femmes, l’agressivité se manifeste également entre elles (cfr. la scène de la cellule où Chiyo est littéralement agressée par ses co-détenues par exemple). Mizoguchi avait déjà montré auparavant combien les femmes pouvaient être implacables entre elles dans son film précédent. Si le film montre une gente féminine essentiellement soumise, vendue, violentée voire violée, Mizoguchi nuance très finement son propos avec l’aide de ses scénaristes dont l’indéfectible Noda et Kaneto Shindo (11) et suggère par de petits détails que tous et surtout toutes ne sont pas prêts aux changements d’autant que la femme reste alors encore socialement et culturellement dépendante de l’homme. Ce Japon s’ouvrant lentement à la modernité n’a pas encore de statut pour une femme seule, raison pour laquelle la soumission et la dégradation restent encore souvent les seules échappatoires. Chiyo ne dit-elle pas elle-même : « Le bonheur des femmes ? Déjà au pays, vous en parliez. Vous annonciez un monde meilleur. Je n’en vois trace nulle part. C’est partout pareil pour les femmes. Elles sont exploitées, battues… (…) Aucune chance que vous compreniez ! Une fois à Tokyo, j’ai été revendue. Mon corps qui était encore pur a été complètement dévasté. Mais quand même, j’ai rencontré mon premier amour. Vous le connaissez, c’est le truand qui est venu m’acheter. Même s’il est dur et odieux, c’est lui qui a fait de moi une femme. Ca ne s’oublie pas comme ça. Vous pouvez comprendre ça ? Non, vous ne pouvez pas ! »

Les mentalités sont encore fortement ancrées dans les esprits et on ne balaye pas si facilement des siècles de tradition et cela, Eiko l’apprendra a ses dépends : « Tant qu’elles penseront cela, les femmes ne pourront pas être libérées. La liberté et l’égalité sont les conditions du bonheur des femmes. Tandis que nous combattions ensemble pour cet idéal, lui, il conservait cette image de la femme. Je n’aurais jamais pu l’imaginer.» La route est encore longue, mais elle ne passera que par la prise de conscience des femmes et le changement déjà de leur propre mentalité.

Si ces cinq œuvres rares et d'une incroyable cohérence thématique n’atteignent pas toujours la perfection formelle des œuvres ultérieures, elles témoignent cependant d’un talent déjà bien affirmé et incontestable. Autant de petits bijoux où le cinéaste analyse les notions d'oeuvres et de création et pose un regard acéré et militant sur la société japonaise et sur l’histoire de son pays.

(1) Cité par Jean Douchet dans l’article « Connaissance de Mizoguchi » dans Cinéma N°236-237 de 1978.
(2) «C’est ainsi qu’il laissait entièrement ses scénaristes comme ses acteurs sans aucune directive. Il fallait que ce soient eux qui apportent les idées, Mizoguchi se contentant de ne garder que celles qui lui agréaient. Lorsque son scénariste favori Yoda Yoshikata lui apportait son script, il se contentait de le lire . Puis il le rendait en le refusant. Comme l’autre cherchait à savoir ce qui n’allait pas, le cinéaste répondait : « Vous êtes le scénariste, je ne suis que le metteur en scène, c’est à vous de trouver ! » Jean Douchet dans Connaissance de Mizoguchi dans Cinéma N°236-237 de 1978.
(3) On sait que Mizoguchi avait l'habitude de fréquenter à une époque les maisons de plaisir.
(4) « Images du monde flottant », estampes représentant essentiellement la vie dans le quartier Yoshiwara.
(5) Cité par Noël Simsolo dans l'article Notes sur Kenji Mizoguchi dans La revue du cinéma – Image et son n°337 de mars 1979.
(6) Le suicide d’une actrice s’étant éprise d’un écrivain et n’ayant pu survivre au décès de celui-ci. Le film est en même temps une adaptation d’un roman d’Hideo Osada (ou Nasada selon les sources).
(7) Ou Shimpa (Nouveau théâtre) par opposition au théâtre traditionnel (Nô et Kabuki). Forme théâtrale qui a déjà énormément influencé le style du maître dans ses premières œuvres des années 20.
(8) Ce n’est pas pour rien que Mizoguchi débute son film par ce monologue : « Le conflit entre une vie honnête et l’amère réalité sociale. La sincérité pour faire face aux luttes désespérées constitue l’aspect moderne du théâtre d’Ibsen. Nous voyons une vie non résolue dans un avenir de profondes ténèbres. Par conséquent, les drames d’Ibsen ne concluent pas, ne résolvent rien. Quoique la vie soit pleine d’épreuves, si, dans le but de nous y soustraire, nous nous laissons aller à la futilité, ou si nous vivons selon une morale superficielle, nous nous abusons nous-même…La vie est pleine de conflits, mais celui qui vit honnêtement, sans duperie, y gagne une vie véritablement riche ne satisfactions. Alors, l’art véritable peut être créé. On doit aussi y trouver une authentique morale. En fait, la vie est souffrance. J’ai maintenant 42 ans et je tente de vivre honnêtement. »
(9) Auteur japonais décédé en 1976 qui a collaboré à plusieurs reprises avec Kurosawa en tant que scénariste, sur Entre le ciel et l'enfer, Les salauds dorment en paix et L’idiot.
(10) Noda fut le scénariste de plus d’une vingtaine de films de Kenji Mizoguchi, parmis lesquels L’intendant Sansho, Les contes de la lune vague après la pluie, La vie d’O’Haru, femme galante, 47 ronins ou Les amants crucifiés pour citer les plus célèbres.
(11) Futur réalisateur de L’île nue et de Onibaba.

Image : Passons sur les innombrables défauts de pellicule, rayures, moisissures… qui émaillent les films. Quand on connaît les conditions de conservations des rares films japonais de cette époque et antérieurs ayant résisté à la destruction systématique qu’opéraient les studios alors, il est déjà heureux d’avoir accès à une copie tant le nombre de films considérés comme irrémédiablement détruits ou disparus est grand. Sur ses 10 premières années d’activité en tant que réalisateur, Mizoguchi a tourné pas moins de 53 films dont il ne reste rien ! Ce qui constitue la véritable grosse déception de ce coffret qui annonce fièrement ses « nouveaux masters restaurés », c’est le traitement numérique déplorable consacré à ces films. En effet, si les masters ont bénéficié d’une restauration, les artéfacts numériques sont légions : combing, ghosting, mouvances, instabilité, tremblements de tout ou une partie de l’image, définition déplorable qui rend parfois difficile l’indentification d’un personnage… Ce dernier point se révèle dépendant de l’état du matériau original et peut donc être excusable d’autant qu’elle s’avère très variable d’un film à l’autre et s’avère assez satisfaisante sur certains titres.

- Cinq femmes autour d’Utamaro : Locomotive (il est sorti à l’unité) et grosse déception de ce coffret. L’image tremble régulièrement, il y a un manque de définition flagrant (probablement consécutif à la restauration). L’image est floue, mais la compression est très bien gérée ce qui rattrape l’ensemble. Eut égard à l’age du film, on est quand même heureux de le découvrir. Le master a été correctement nettoyé, même s’il persiste diverses taches, salissures ou lignes.

- L’épée Bijomaru : Malgré un avertissement avant le film et un master présentant de nombreux défauts, L’épée Bijomaru se révèle sensiblement plus agréable à regarder que Cinq femmes autour d’Utamaro, cela notamment grâce à une très bonne définition, à une très belle gestion des contrastes et à une compression sans faille notable, l’image se révélant beaucoup plus stable que sur le film précédent.

- L’amour de l’actrice Sumako : Comme pour Cinq femmes…, de l’instabilité très fréquente et une définition très moyenne, même si on est au dessus de celle du film précité. Le master présente de très nombreuses anomalies (taches…).

- Les femmes de la nuit : Si le début du film apparaît comme fortement abîmé et rayé, passé les 10 premières minutes, la copie s’avère plus propre et agréable à regarder. La définition est moyenne à assez bonne. La compression se fait toujours quasi invisible mais il persiste une certaine instabilité dans certaines scènes surtout au début.

- Flamme de mon amour : Hormis du ghosting parfois voyant, voire des mouvances par moments, le film s’avère un des plus agréables à regarder du coffret. Le master est correctement restauré et nettoyé des ses défauts. Il y a peu d’instabilité. Le principal reproche que l’on peut faire pour ce film est une définition très moyenne.

Son : Hormis L’épée Bijomaru dont la bande son présente des blancs et de nombreux craquements (un avertissement à ce sujet a été placé avant le film), les autres films bénéficient d’un son mono légèrement suranné correctement nettoyé mais assez étouffé sur certains films, les dialogues pouvant se révéler par moments difficilement compréhensibles.

DVD 1 : Cinq femmes autour d’Utamaro

- Misère et grandeur de la beauté (+/- 22 min) : Document réalisé à partir d'un texte de Jean Douchet lu en voix off sur des images illustrant le propos. Douchet commence son analyse par souligner les similitudes entre Utamaro et Mizoguchi (la peinture évidemment, leur intérêt pour la femme et sa beauté intérieure, leurs habitudes de fréquentation des bas quartiers et des maisons de plaisir) pour ensuite faire une analyse du film en particulier. Dans cette analyse, il revient sur les 5 femmes en question, sur le statut d'artiste et sur la nécessité de vouer sa vie à son art pour réussir, sur la beauté chez Mizoguchi… Ce document se termine par l'analyse de trois scènes d'un point de vue cinématographique (composition du plan, mouvements de caméra…). Douchet y fait un parallèle entre les partis pris de mise en scène du maître et la signification intrinsèque de ceux-ci…

- Yoshiwara et le monde flottant (+/- 22 min) : Hélène Bayou, conservateur au Musée national des Arts asiatiques Guimet fait une historique intéressant de la situation de la capitale Edo à l'époque d'Utamaro. Elle évoque ainsi cette période de paix et de prospérité qui a vu apparaître une nouvelle classe de nouveaux riches. Citadins fortunés qui permirent en apportant leurs fonds, l'essor culturel de la ville. Elle explique les raisons de la création d'un quartier tel que Yoshiwara du fait de la présence de nombreux guerriers assignés à résidence par le pouvoir et souligne le rôle de soupape de sécurité que jouait le quartier. L'historienne se penche ensuite sur les problèmes de censure avant de s'étendre sur les personnalités d'Utamaro et de son éditeur, sur le concept de "monde flottant" et sur le rôle des estampes et l'évolution de ces dernières (et du portrait en particulier) sous l'impulsion d'Utamaro. Un document érudit et très intéressant sur l'histoire d'un quartier important et mythique de la capitale nippone sous le shogunat.

- Images d'Utamaro (+/- 17 min) : Petit document articulé autour de la découverte du catalogue de l'exposition "Images du monde flottant" qui s'est tenue au Grand Palais en 2004. Hélène bayou explique le glissement qui s'est opéré progressivement dans le chef des peintres, de la scène de genre vers le portrait avant de plonger et d'analyser plus en profondeur les spécificités de l'œuvre de Kitagawa Utamaro au travers d'une série d'estampes présentées lors de l'exposition.

- Entretien avec Kaneto Shindo (+/- 11 min) : Entretien autour de Cinq femmes autour d'Utamaro. Shindo qui fut collaborateur de Mizoguchi commence l'interview par exposer la vision de la femme selon Mizoguchi et explique l'impact de cet état d'esprit sur l'œuvre du maître. Le réalisateur/scénariste revient ensuite sur les problèmes rencontrés par Mizoguchi pour réunir son casting dans l'immédiat après-guerre et sur le problème dû au fait que l'acteur principal ne savait pas dessiner. L'entretient se termine sur la difficultés qu'a eu Mizoguchi à accepter et à s'adapter aux changements de la société nippone après 1945 (démocratie…).

DVD 2 : L'épée Bijomaru / L'amour de l'actrice Sumako

- L'épée Bijomaru / L'amour de l'actrice Sumaoko par Jean Douchet (3 et 4 min hors génériques) : Courtes introductions aux films sur des textes de Jean Douchet.

- Entretien avec Kaneto Shindo (+/- 11 min) : Pour Shindo, L'épée Bijomaru est une œuvre alimentaire dans la carrière du cinéaste. Il replace l'œuvre dans son contexte historique (la fin de la guerre, les budgets limités de même que la durée des films qui ne devait dépasser 60 min, la propagande…). Shindo explique ensuite l'utilisation du plan large chez Mizoguchi. La seconde moitié de l'entretien revient sur l'homme lui-même, soulignant son rapport fort avec les femmes, son obstination et les qualités que d'autres lui ont reproché.

- Mizoguchi de 1945 à 1949 (30 min) : Charles Tesson commence ce documentaire passionnant sur les conditions de travail dans les milieux du cinéma à partir de 1945, année ou l'armée et le gouvernement américain ont pris le contrôle de l'industrie cinématographique nipponne suite à la capitulation japonaise. Il revient sur l'obligation des studios de tourner des films prônant les valeurs démocratiques et parallèlement à l'interdiction de représentation de tout fait rappelant l'ère Edo et les valeurs guerrières propres aux samouraïs. Il revient ensuite sur chacun des films, les replaçant dans le contexte et évoquant tour à tour les aspects thématiques et stylistiques du Maître. Certainement le bonus le plus pertinent et intéressant du coffret avec le livret.

DVD 3 : Les femmes de la nuit / Flamme de mon amour

- Les femmes de la nuit / Flamme de mon amour par Jean Douchet (+/- 4 min chaque) : Courtes introductions aux films sur des textes de Jean Douchet.

- Entretien avec Kaneto Shindo (14 min) : Shindo revient avec quelques anecdotes sur le tournage des Femmes de la nuit, évoquant notamment la visite de Yoshiwara par Mizoguchi qui voulait s'imprégner de ce qu'il allait illustrer. Il s'étend longuement sur le fait que Mizoguchi avait été longtemps considéré comme un réalisateur du passé. Il parle de sa façon de travailler, d'appréhender les choses puis revient sur la relative difficulté à évoluer du cinéaste déjà évoquée dans le premier entretien. On sent, comme dans les autres entretiens que Shindo appréciait énormément et respectait énormément le maître, ce qui rend parfois ses propos émouvants.

- Bonus caché (+/- 4 min) : Notes sur Kinuyo Tanaka par Charles Tesson. Courte, mais instructive biographie bien illustrée de l'actrice fétiche de Mizoguchi.

Superbe effort éditorial du stricte point de vue des bonus, la grosse déception de ce coffret venant de la qualité de l'image, notamment de l'encodage, ce qui est d'autant plus dommage qu'un réel travail de restauration a été réalisé sur les masters. Quoi qu'il en soit, les films restent très regardables et ce coffret constitue un cadeau de choix pour tout fan du Maître. En attendant le coffret Mizoguchi : année 30 prévu pour le premier semestre 2008.