Voilà le résumé succinct d’un scénario d’une richesse inouïe au niveau de l’intrigue, narrant en à peine 140 minutes vingt années de la carrière fulgurante et mouvementée de George Armstrong Custer, personnage historique que l’on peut voir sous un jour totalement différent, mégalomane et tueur d’Indiens, dans le brûlot iconoclaste d’Arthur Penn, Little Big Man. Où se situe donc la vérité concernant le portrait de ce général qui a fait couler tant d’encre ? Il est clair que ce que nous montre Raoul Walsh de la Cavalerie américaine et de Custer est d’une totale fantaisie, une vision idéalisée et peu conforme aux faits. Mais ce n’est plus un secret pour personne que les biographies tournées à Hollywood durant son âge d’or sont la plupart du temps extrêmement éloignées de la réalité, la romance prenant souvent le pas sur les faits historiques. Et l’on sait aussi qu’un film ne doit pas nécessairement être le reflet exact d’une quelconque réalité pour pouvoir prétendre à la réussite ; la preuve flagrante se dévoile sous nos yeux avec le magistral They Died with their Boots On.

Il a souvent été question de révisionnisme à son propos. Cela aurait été le cas si le film avait pris la défense des Tuniques bleues et des politiciens en cautionnant les massacres des tribus indiennes. Il n’en est rien ! Walsh, prenant ses distances avec l’Histoire avec un mépris absolu du réel, et laissant tomber les aspects ambigus et contestés du vrai Custer, préfère en faire une figure épique et mythique chargée d’exprimer les valeurs qu’il juge essentielles (liberté et démocratie) et son culte de l’héroïsme. « Custer apparaît ici comme un homme qui voit juste, qui parle vrai, qui hait les compromis et dont le sacrifice sans illusion servira en même temps la cause de son pays et celle des Indiens… Walsh voit aussi dans ce personnage l’occasion de donner libre court à sa haine de la basse politique, de l’affairisme et de la dictature de l’argent » écrira Jacques Lourcelles dans son Dictionnaire du cinéma (collection Bouquins). Nous nous trouvons ainsi devant une fresque biographique monumentale, une hagiographie "Bigger Than Life" nous mettant face à face avec un homme exubérant et éminemment sympathique qui ose dire ce qu’il pense, prenant fait et cause pour les Indiens, refusant toutes formes de compromissions et n’hésitant pas à aller à l’encontre de la hiérarchie pour foncer tête baissée et suivre ses propres instincts. Son sacrifice final voit la victoire des Indiens dont il s’était fait le défenseur mais nous savons très bien que ses derniers sont des morts en sursis : ils se firent par la suite massacrer ou parquer presque jusqu’au dernier. Mais, John Ford nous le dira vingt ans plus tard dans son non moins superbe Homme qui tua Liberty Valance, mieux vaut parfois imprimer la légende ! Distribué une quinzaine de jours avant l’attaque sur Pearl Harbor, ce film représentait alors le symbole d’une Amérique qui voulait encore croire à ses héros ; que ce soit le civil ou le soldat américain, ils avaient alors tous deux un impérieux besoin de réconfort qu’ils pouvaient trouver par exemple dans ce genre de glorification de l’héroïsme.

Avec Michael Curtiz, Errol Flynn venait de tourner d’inoubliables grands films d’aventures tels Captain Blood, La Charge de la brigade légère, Les Aventures de Robin des Bois, Les Conquérants (Dodge City), La Caravane héroïque (Virginia City) ou L’Aigle des mers (The Sea Hawk). Fatigué de la direction dictatoriale de l’autrichien qui devait réaliser le film, Errol Flynn refuse de tourner une nouvelle fois avec lui. They Died with Their Boots On marque donc la rencontre de l’acteur avec son second réalisateur d’élection, Raoul Walsh, avec qui il travaillera encore sur au moins deux chefs-d’œuvre, Gentleman Jim l’année suivante et Objective Burma, un des sommets inégalés du film de guerre. La Charge fantastique marque aussi l’ultime rencontre de l’acteur avec celle qui fut sa partenaire d'élection, Olivia de Havilland : la dernière scène qu’ils partagent dans ce magnifique western est peut-être la plus touchante de toute la filmographie du cinéaste ; difficile de ne pas être profondément ému par ce moment assez unique ! Comment oublier le discours d’un Custer se sachant condamné, sa tendre déclaration d’amour à son épouse, leurs adieux et le travelling arrière qui clôture la séquence sur une Elisabeth bouleversée, pressentant avoir vu son mari pour la dernière fois de sa vie, ce qui provoque son évanouissement. Le très beau thème d’amour que Max Steiner a composé pour le film finit de rendre encore plus mémorables ces sublimes minutes.

Notre élégant, vigoureux et charismatique moustachu tient ici l’un des plus beaux rôles de sa carrière. Dès sa première apparition (qui rappelle étrangement celle de d’Artagnan dans le roman d’Alexandre Dumas, Les Trois Mousquetaires), il conquiert le spectateur : à la fois arrogant, prétentieux mais aussi brave, fier (« Je suis prêt à jouer s’il le faut mon argent, mon épée et ma vie mais jamais le nom que je porte »), naïf, noble (« La gloire a un avantage sur l’argent, on l’emporte avec soi en mourant ») et plein d’humour, il ne peut inspirer dès le départ que la plus profonde des sympathies. Adorateur de Murat, dont il aime à reprendre les tenues vestimentaires, survolté quand il chevauche au son du canon sabre en main, le Custer de Flynn est l’incarnation exemplaire du héros tel qu’aimait à le voir le public de l’époque. Sa gouaille, son rire, son sourire et son humour fonctionnent toujours autant sur les spectateurs que nous sommes aujourd’hui. Olivia de Havilland se tire très bien de ce rôle un peu ingrat car légèrement sacrifiée ; elle trouve même l’occasion d’être de la plus belle séquence du film déjà évoquée plus haut. Aux côtés de ce couple étincelant, nous trouvons une tripotée de seconds rôles tous excellents à commencer par un Sidney Greenstreet au meilleur de sa forme dans le rôle du Général Scott. Hattie McDaniel, depuis Gone with the Wind, rejoue encore et toujours la servante noire superstitieuse qui n’a pas sa langue dans sa poche. Personnage amusant à petite dose et typiquement "cliché" mais qui faisait partie des conventions de l’époque et qu’il faut pouvoir accepter tel quel. Arthur Kennedy, dont le talent éclatera dans les westerns d’Anthony Mann, est un salaud assez convaincant même si un peu en retrait.

Cette succession de pages glorieuses, commencée dans la comédie assez débridée (que d’humour durant la première heure !) pour finir dans la tragédie, a bénéficié d’énormes moyens permettant d’en faire une fresque d’une grande envergure : « Jusqu’à présent, la plupart de mes films pour la Warner avaient eu un budget d’environ un million de dollars. La Charge fantastique, qui coûta plus du double fut une exception… » (Raoul Walsh in Each Man in his Time - Un demi siècle à Hollywood). Rude et sincère, d’une vigueur jamais démentie, d’un rythme constamment soutenu, le film de Walsh est absolument irréprochable aussi bien en ce qui concerne son ample scénario que sa mise en scène. Ne s’embarrassant pas de psychologie, il fonce bille en tête et n’arrive pas à faire décrocher le spectateur pris dans un tourbillon de mouvements qui ne subit aucune baisse de régime. Non content de réaliser un spectacle parfaitement maîtrisé, il nous ravit en montrant à l’écran pour l’une des premières fois des Indiens dignes et braves : « La plupart des westerns donnaient de l’Indien l’image d’un sauvage peinturluré et méchant. Dans La Charge fantastique, je m’efforçai de le montrer comme un individu qui n’attaquait que lorsque ses droits, définis par un traité, étaient violés par des blancs » (Raoul Walsh in Each Man in his Time). Crazy Horse n’est ainsi pas décrit comme un sauvage mais comme une figure noble, victime des Blancs et de l’Histoire, les trafiquants sans scrupules et les politiciens véreux étant montrés par Walsh comme les seuls responsables de ce désastre. Encore une preuve du non-racisme et du non-bellicisme du film à travers cette simple phrase de Custer-Flynn à propos des tribus indiennes en colère : « Si j’étais à leur place, je ferais pareil ». Totalement fantaisiste mais pour une bonne cause !

Et qu’en est-il de cette "charge" justement, celle qui vient clore le film avec une splendeur épique et lyrique rarement égalée ? Le jeune général, ayant fait stopper son cheval qui glisse avant de s’arrêter, se retrouve seul au milieu de ses hommes (la plupart tombés à ses pieds), sabre à la main à côté du fanion du 7ème de cavalerie, la chanson irlandaise Garryowen (devenue entre-temps l’hymne du régiment) se faisant entendre avec force persuasion par derrière. Cette image ayant valeur d’icône de l’héroïsme possède une puissance étonnante d’autant plus que les combats qui l’ont précédée ont été filmés d’une manière phénoménale par le cinéaste. Mais laissons s’exprimer, à propos de la mise en scène de cette séquence qui résume assez bien le style du réalisateur à son apogée, l’un des journalistes ayant le mieux écrit sur Raoul Walsh, Jacques Lourcelles : «… la charge finale où triomphe le style unique de Walsh, alliant comme personne n’a su le faire l’ampleur à la trépidation, la frénésie des plans rapprochés à la sérénité grandiose des plans d’ensemble, véritables tableaux, égaux en génie à la plus belle peinture américaine, et, par exemple, à celle de Remington que Walsh adorait. » (Dictionnaire du Cinéma - Collection Bouquins).

Plus besoin après cela d’essayer de vous convaincre plus longuement quant aux immenses qualités de ce film ! Si par curiosité, vous voudriez découvrir d’autres westerns mettant en scène le personnage de Custer, outre les films de Walsh et d’Arthur Penn, citons Santa Fe Trail de Michael Curtiz avec Ronald Reagan en Custer aux côtés de… Errol Flynn, Robert Shaw dans Custer of the West de Robert Siodmak mais aussi, fortement inspiré du personnage réel, Henry Fonda dans Fort Apache de John Ford et Victor Mature dans The Last Frontier d’Anthony Mann.